mariana castillo deball
feathered changes, serpent disappearances

desde agosto 21, 2021
 

Mariana Castillo Deball presenta un proyecto que consiste en una búsqueda arqueológica de la ausencia y un estudio en los vacíos de la memoria. En esta investigación la artista se pregunta qué papel juega el azar, en forma de tiempo transcurrido, erosión, fragmentación e intervención humana, en nuestra interpretación subjetiva de la historia. Al detenerse en las genealogías desconocidas de los artefactos, Deball subraya los efectos de los procesos naturales y sociales dentro de las narrativas arqueológicas.

La exposición presenta una visión de la arqueología que reconoce fantasmas, visiones dobles y múltiples versiones de lo acontecido. Los artefactos desenterrados a través de diferentes investigaciones se originan en archivos locales. La artista realizó reproducciones a diferentes escalas de fragmentos diminutos de los murales de Teotihuacan. A través de fragmentos, frottages, cerámicas y frescos a gran escala, Feathered Changes, Serpent Disappearances superpone y combina estas narrativas dispares, uniéndolas en un collage de tiempo arqueológico.

 

 

 

 

 

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abraham cruzvillegas
rastrojo

desde agosto 14, 2021

Abraham Cruzvillegas presenta tres esculturas colgantes construidas con materiales que retomó de obras realizadas a lo largo de su carrera en museos y galerías del mundo. Para componerlas, Cruzvillegas utiliza objetos cotidianos descartados y materiales encontrados in situ, como esponjas marinas, piedras de molino, piel de cordero o un molde para piloncillo, para componer sus esculturas. Estos objetos que tienen su propia biografía y que han sido testigos de acontecimientos, experiencias y procesos del artista, se presentan ahora en Siembra reunidos bajo una nueva configuración. En ella se entremezclan las múltiples presencias materiales, memorias, testimonios  y trayectorias de algunos de los objetos con los que ha trabajado, y estos a su vez están entrelazados con el recorrido e historia del propio artista. La lógica de construcción de la escultura atiende a las propiedades físicas del objeto, como su peso, textura y volumen, así como a las relaciones de tensión y equilibrio que se forman entre ellas. Al recuperar estos objetos e insertarlos en un nuevo ensamblaje en el espacio de exposición, Cruzvillegas los vuelve mediadores de nuevas relaciones, detona procesos de resignificación y posibilita otros encuentros.

Cruzvillegas concibe la vida de los objetos como algo rotativo que, al igual que la siembra, se regenera de manera cíclica, se nutre y fortalece con el entorno. La posibilidad de que algo crezca sugerida por el concepto de siembra es algo que también le interesa al artista a nivel poético. Siguiendo esta idea, Cruzvillegas lanzó granos de maíz en el suelo de la galería como un gesto que refiere a las posibilidades latentes y a la idea de esperanza.

La naturaleza colaborativa y la identidad mutable de las obras de Cruzvillegas lo han llevado a trabajar continuamente con músicos, poetas, bailarines y otros agentes de manera cercana y personal. Durante la exposición, habrá una serie de activaciones con músicos y bailarines invitados por el artista; algunos de ellos interpretarán canciones escritas por Cruzvillegas basadas en música tradicional huasteca. Se invitará además a los músicos callejeros que transitan por los alrededores de la galería a activar la pieza de manera improvisada y espontánea. La obra desde un principio está pensada por el artista como una escultura en devenir, susceptible a sufrir modificaciones y transformaciones con la inercia del proceso de construcción y a medida que ocurran las activaciones.

Los artistas que activarán las piezas a lo largo de la exposición son:
Viridiana Toledo Rivera
Andrés García Nestitla 
La Bruja de Texcoco 
Diego Espinoza
Nadia Lartigue 
Diana Flores 
Quique Rangel 
Trío Huasteco Los descarados: Nabani Aguilar, Ricardo Bassilio, Obed Calixto

gabriel kuri
encubrimiento estadístico

desde agosto 21, 2021

Gabriel Kuri presenta en Siembra su proyecto Encubrimiento estadístico, un ejercicio escultórico donde una serie de objetos dispuestos a lo largo del muro ocupan toda la longitud del espacio en posiciones precisas, creando un ritmo sobre una alfombra color naranja. Entre ellos hay objetos encontrados, fabricados, ensamblados, unos aislados y otros en la inmediata presencia de variables de su tipo. Estos han sido alterados en diferente medida y dejan ver mayor o menor grado de especificidad y mediación, unos más crudos y sintéticos, otros más definidos en su función o marca.

Cada objeto tiene en su base una banda de color naranja, semejante a la alfombra sobre la que se encuentran, con lo que se crea cierto grado de homogeneidad al empatarlos y volverlos a todos valores de una sola ecuación. Este ejercicio de mímesis además pareciera querer volverlos cifras de valor casi despreciables y al borde de la insignificancia dentro de una gráfica estadística, más cercanos al desecho que a la optimización en cuanto a su semántica.

Al aludir a la idea del encubrimiento, este ejercicio investiga si al momento de ocultar algo, acaso no se devela otra cosa igualmente significativa. Todo objeto es un indicador de experiencia, potencialmente un valor o numerosas valencias, y por tanto comparable con otros de su tipo. Gabriel Kuri ha empleado con anterioridad este tipo de estrategia, en la que alinea los objetos de tal modo que suscita su comparación y desciframiento. 
Por otro lado, punteando los accesos al espacio (y pensando en la circulación entre los diversos segmentos de la galería) encontramos dos tableros/vitrinas de fieltro con ranuras, de aquellas usadas para escribir mensajes desmontables. En vez de palabras o cifras, estos también presentan  pequeños referentes al consumo o desperdicio: colillas de cigarros consumidos o monedas de baja denominación, de valor igualmente casi despreciable… pequeñas unidades de afirmación que regresan del borde del desecho y se recargan de significado.

Kuri ha sostenido que todo lenguaje artístico, así como cualquier otro –ya sea verbal o visual–  comienza por un proceso de abstracción de algún aspecto en la experiencia de la realidad.  Este proyecto es en su definición más simple, quizá sólo la expresión de esta idea básica. También ha defendido que en todo proceso de este tipo se dan lugar cambios de escala. El artista invita a cada espectador a que calibre su proporción misma ante diferentes elementos (comenzando con el espacio expositivo) y se implique de manera activa en la generación del significado.

 

 

 

 

 

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alicia ayanegui
penumbra en mi memoria

desde agosto 21, 2021

Alicia Ayanegui presenta una serie pictórica que indaga la oscuridad de la penumbra nocturna en la que los objetos y lugares cotidianos parecieran desaparecer debido a la escasez de luz. Las piezas evocan a la oscuridad como metáfora del recuerdo en una apariencia brumosa y efímera en las que coexisten una figuración y abstracción construidas desde un trazo gestual y dibujo sintético de las formas. En la oscuridad, las formas de los objetos se desvanecen, sus contornos son difusos, los colores se van casi por completo y pareciera que una capa de un gris lineal cubre todo a su paso. Ayanegui busca recrear esta apariencia pictóricamente y elabora un estudio de los matices que existen en la oscuridad de la noche.

El trabajo anterior de la artista se enfoca en el estudio de la luz y en cómo ésta incide en lo que nos rodea. Esta serie abre un nuevo camino de exploración hacia las posibilidades que yacen entre las sombras a partir de recuerdos de la artista de espacios y objetos que se encuentran en la penumbra. Ayanegui concibe esta serie de pinturas oscuras como memorias de situaciones que ya solo viven en su mente, que pudieron ser o no como las pinta, que generan una poetización de su memoria frente a la soledad, la espera, la nostalgia del pasado y terrores nocturnos. Con un trazo difuso y sintético, Ayanegui revela seres imprecisos, ilegibles y vibrantes pero a la vez pasivos en una quietud que pareciera interminable.

iñaki bonillas
portadas de jazz del archivo j.r. plaza

desde agosto 21, 2021

Iñaki Bonillas presenta una serie que explora la relación entre el lenguaje fotográfico y el diseño en la comunicación visual del jazz. El cuidado en el diseño gráfico, la variedad de formas abstractas, la rica paleta de colores y la autenticidad e intimidad de las portadas de los discos de finales de los 50 y los 60 fascinaron a Bonillas. Hace dos décadas, el artista heredó una enorme colección de fotografías y material personal de su abuelo José Rodríguez Plaza. Entre los documentos de este archivo se encuentra una amplia colección de autorretratos, donde el lenguaje corporal y la composición de la imágen lo hacen ver como un ícono o una celebridad carismática y atractiva. Bonillas encontró resonancias entre los autorretratos y las fotografías de las portadas de estos álbumes. Para las obras que presenta removió el texto de las portadas y sustituyó las fotografías de los músicos por los autorretratos de J.R. Plaza. Al eliminar el texto de las portadas, Bonillas deja en primer plano los distintos elementos visuales de la composición y evidencia la influencia del arte abstracto en el diseño.
 
Un día, mientras Bonillas escuchaba el álbum Giant steps de John Coltrane, le vino a la mente uno de los autorretratos de su abuelo donde éste aparece sentado en una pequeña escalera con una expresión histriónica de decepción y apuntando a su cabeza con un arma en señal humorística de desesperación. Él mismo había recortado y pegado la foto sobre una cartulina y dibujado una gráfica en la que aparecen indicados los años ‘63, ‘64, ’65, ’66 y una línea zigzagueante color rojo en dirección descendente, tal vez indicando el declive de algo en su vida. Precisamente durante esos años, tanto el jazz como el diseño se encontraban en un punto efervescente generando propuestas innovadoras y revolucionarias. Las portadas de álbumes de jóvenes diseñadores como Reid Miles se convirtieron en hitos estilísticos y significantes visuales de energía, libertad y modernidad. El contraste entre el ascenso sugerido por el título del álbum, Giant steps, y el declive indicado por la imágen, aunado a las resonancias formales, provocaron que ese collage se apareciera en la mente de Bonillas en la forma de una imágen de portada de un álbum y detonó esta nueva serie de 60 impresiones, cada una en formato de funda de vinilo que se presenta en Siembra.
 
El archivo de J.R. Plaza abrió un camino en la práctica de Bonillas hacia la apropiación y el reciclaje de material fotográfico que proponía trabajar con las imágenes que ya existen en lugar de crear nuevas. Desde entonces su obra ha experimentado con distintas aproximaciones al material de archivo e investigado la materialidad y la profundidad semiótica de la fotografía como medio.

jimmie durham
dibujos

desde agosto 21, 2021

kurimanzutto presenta una selección de dibujos realizados por Jimmie Durham entre 1989 y 2020 en Siembra. Enigmáticos y en apariencia inocentes o accidentales, se alejan de la intención ilustrativa del dibujo como medio en favor de una exploración poética del trazo como escritura o la escritura como trazo, así como de la relación entre formas y conceptos. El conjunto de dibujos abarca distintos tipos de gestos u operaciones sobre papel, como intervenciones en hojas de registro antiguas, textos que devienen garabatos, rastros de objetos cubiertos en grafito arrojados contra el papel, abstracciones que reestructuran el espacio al interior de papeles encontrados, o líneas indóciles que pulsan a lo largo de un reglamento para maquinista de trenes. Los papeles encontrados que utiliza emanan espesura temporal y guardan historias, rastros, memorias o información que depende de su soporte material para seguir existiendo en el mundo.
 
El dibujo como medio conlleva desde un principio la imposibilidad de imitar a la realidad, y en ese sentido representa para Jimmy Durham un medio que le da una libertad implícita. De la misma manera que la escritura, el dibujo ha estado muy presente a lo largo de la trayectoria del artista. El uso de papeles descartados y encontrados como boletos de avión, hojas de contabilidad, borradores o papeles descartados por el propio artista durante procesos de escritura o de creación artística está presente a lo largo de su trayectoria. Al reutilizar pedazos de papel olvidados o que estaban destinados a perderse o hasta deshacerse con el tiempo, Durham busca inmortalizarlos. Nuestra civilización —ha dicho el artista— está hecha básicamente con trozos de papel, y tenemos demasiados trozos de papel que fueron usados una vez y luego inútiles a partir de entonces, como lo es la mayor parte de nuestra historia.

 

 

 

 

 

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fernando ortega
manicura

desde agosto 21, 2021

Fernando Ortega presenta  un proyecto con el que busca provocar una respuesta sinestésica voluntaria a partir del color y la música. Las fotografías que serán intervenidas provienen del archivo personal del artista, en el que ha acumulado imágenes fijas de las manos de renombrados músicos que extrajo de videos de conciertos y recitales de piano. Para esto recurre a la pericia de las manicuristas, coloristas de oficio, y las invita a responder desde su quehacer de manera espontánea y personal a una pieza musical mediante el color. Cada manicurista escuchará una pieza de música de piano elegida por el artista y posteriormente seleccionará un color de esmalte a partir de lo que la música le provocó para aplicarlo sobre una fotografía del concierto que escuchó.

En Manicura, Fernando Ortega incita un entrecruce de los sentidos de la vista y la audición, así como una traducción de un lenguaje a otro mediada por la subjetividad e imaginación del escucha. Ortega encuentra en la amplia gama de tonos que ofrece el salón de belleza un lenguaje ideal para experimentar modos de interpretación sinestésica y para tomar distancia de las connotaciones de seriedad o solemnidad que suelen envolver al piano como instrumento. La afición por la música ha estado presente de manera constante en la
obra de Ortega. Fernando Ortega se distingue por una gran sensibilidad hacia la poética de los sutiles acontecimientos que componen la cotidianidad, así como por una aguda inventiva para producir eventos que con gran sencillez trastocan el orden natural de las cosas.

Explora el arte contemporáneo a partir del 21 de agosto en kurimanzutto (Gobernador Rafael Rebollar 94, col. San Miguel Chapultepec).

Información y fotografía cortesía de kurimanzutto

Redacción